Descubriendo a los maestros del Barroco: Caravaggio y sus seguidores

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Por Jesse Bryant Wilder

Miguel Ángel Merisi da Caravaggio, conocido más simplemente como Caravaggio (1571-1610), fue el pintor más grande e influyente del estilo barroco. También era un bohemio de temperamento rápido que a menudo era encarcelado por peleas y se vio obligado a huir de la ley y de sus enemigos, escapando a Nápoles, Malta y Sicilia en varias ocasiones. Sus “viajes” ayudaron a difundir su extraordinario estilo, que pronto fue imitado en toda Europa.

Caravaggio infundió a su obra un naturalismo más arenoso que cualquier otro artista anterior, contratando a gente común como modelos para santos y apóstoles, lo que conmocionó a muchos de sus contemporáneos. Dramatizaba sus escenas religiosas arrojando una luz diagonal sobre sus sujetos, resaltando algunos de sus rasgos (para enfatizar ciertas emociones y acciones) y dejando al resto en la sombra.

La técnica de iluminación de Caravaggio se llama tenebrismo, de la palabra italiana tenebroso, que significa “sombrío” o “turbio”. Sus pinturas relatan los momentos culminantes mientras que sugieren poderosamente los eventos que los preceden y los siguen.

Caravaggio creó sus dramáticos efectos de iluminación dejando fluir la luz natural a través de una ventana alta o con una lámpara de alta calidad que lanzaba un rayo hacia abajo sobre sus sujetos. Esta técnica, conocida como iluminación de sótanos, produce efectos dramáticos si el artista posiciona bien sus modelos.

En el Llamado de San Mateo (1599-1600; creado para la Capilla Contarelli), la luz del sótano recorta la pared trasera e ilumina los rostros de algunos de los hombres amontonados alrededor de una mesa de madera donde Mateo cuenta su dinero. Tres de los compañeros de Mateo miran a Jesús, que acaba de entrar y está en las sombras. La iluminación del sótano que corre a través de la ventana casi traza la línea del dedo índice de Jesús, que señala al recaudador de impuestos Mateo, que está a punto de cambiar de trabajo. Pero el futuro apóstol se resiste, evitando los ojos de Jesús y mirando obstinadamente la pila de monedas sobre la mesa. La pintura ilustra el tira y afloja que hay dentro de Matthew. La tensión entre la luz y la oscuridad, entre los dedos que señalan y los ojos que miran en direcciones opuestas, aumenta el drama hasta el punto de ruptura.

Note que a pesar de la renuencia de Mateo a firmar, los pies de Jesús ya están volteados hacia la salida y el futuro. Caravaggio fue el primero en representar un solo momento de tensión y dejar que la tensión se extendiera hacia atrás y hacia adelante en el tiempo.

Para ayudar a romper la barrera entre una pintura y el espectador, Caravaggio y otros pintores barrocos colocaron objetos altamente ilusionistas -una cama, un cuenco de cobre, el pie de alguien- en el borde inferior de sus pinturas para que los objetos parecieran proyectarse en el espacio del espectador. Sientes que puedes tocar estos objetos, por lo que te involucras más en la pintura.

Orazio y Artemisia Gentileschi fueron dos artistas influenciados por Caravaggio.

Orazio Gentileschi: el lado amable del Barroco, más o menos

Orazio Gentileschi (1563-1639) fue el primero de los muchos seguidores de Caravaggio. Gentileschi enfatizó el realismo como Caravaggio y colocó a sus sujetos cerca del espectador en un momento de stop-action como en su The LutePlayer (1610). En esta pintura interpretada con sensibilidad, una mujer laudista, iluminada por la iluminación del sótano de Caravaggio, toca suavemente su instrumento. Es un buen trabajo, pero no hay tensión ni sensualidad conmovedora como en Los músicos de Caravaggio (1595-1596) y El laudista (1595-1596). El stop-action en la pintura de Gentileschi está realmente detenido. El momento congelado no nos arrastra en múltiples direcciones como en un cuadro de Caravaggio. Una de las obras más conmovedoras de Gentileschi es su Virgen con el Niño en la Galería Borghese de Roma. La tierna calidez en la cara de la madre al mirar a su hijo se magnifica con la iluminación.

Sombra y dramas ligeros: Artemisia Gentileschi

Artemisia Gentileschi (1593-c. 1652) no fue la única artista femenina en el periodo barroco, pero es una de las pocas que pintó cuadros históricos y religiosos. La mayoría de las otras artistas femeninas fueron encasilladas en retratos, bodegones y pinturas devocionales.

Entre las obras más grandes de Artemisia se encuentran Susana y los ancianos (1610), Judith Slays Holofernes (1620) y Lucrecia (1621). Como las heroínas de Lucrecia y Susana y los Ancianos, Artemisia fue violada. Su experiencia personal resuena en estas obras. Al igual que su padre Orazio y Caravaggio, Artemisia colocó sus figuras íntimamente cerca del espectador.

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